La Escuela Nacional de Danza de El Salvador (END)

Es una institución gubernamental que busca fomentar el arte de la danza en todas sus expresiones desde la danza folklórica hasta la danza contemporánea, esta también se encarga de la formación de jóvenes talentos en el arte de la danza… la escuela cuenta con un estudio así como diversas presentaciones a lo largo del territorio nacional, también ha participado en certámenes internacionales en los que ha dejado el nombre de nuestro país en alto.

Como toda institución su máximo fin es formar y generar espacios en los cuales los talentos desarrollen sus habilidades El objetivo general de la Escuela es identificar jóvenes con aptitudes y habilidades para desarrollarlos en las diversas especialidades de la Danza que ofrece la END: Danza Clásica, Danza Contemporánea, Danza Folclórica y Danza Creativa. De esta manera, por medio de la educación académica y artística impartida en la Escuela, se logrará formar bailarines profesionales en estas disciplinas.

Actualmente la escuela END ha atravesado una serie de protestas por parte de algunos maestros y padres de familia los cuales exigen la dimisión del actual director Francisco Centeno asi como una serie de retribuciones para con el cuerpo docente. Esta serie de propuestas desembocó en la dimisión del director que se retira en Julio luego de ofrecer una disculpa pública por malos tratos.

Como la mayoría de las ramas artísticas en El Salvador los talentos no cuentan con medios para desarrollarse profesionalmente y entregarse al cien por cien a la danza… por lo que la plantilla de estudiantes es fluctuante sobre todo porque muchos no pueden encontrar en la danza un medio de subsistencia.



Sin embargo, la escuela destaca por su excelencia y profesionalismo. Cabe mencionar que destacan sus presentaciones de danza folklórica y danza contemporánea. Llegando a ser reconocida internacionalmente.

Monumento al Mar.

Mal conocida como fuente luminosa el “monumento al mar” es una oda a la belleza femenina y marina. Creada por el español Benjamín Saúl la obra se encuentra en pleno centro de San Salvador, a tal grado que ya forma parte del paisajismo urbano.

Lastimosamente poca gente conoce si quiera el nombre del autor o si quiera el significado de la escultura. Benjamín Saúl jugaba con las formas dispares y la desproporción en sus obras… eso se puede observar en diversas esculturas que el artista español que radicó en San Salvador dejó como legado.

¿Pero que es el monumento al mar? Al preguntar a la gente no mucha sabe dar respuestas sin embargo en palabras de su viuda Doña María Ester Méndez de Anargyros; es una sirena.

Según Méndez Benjamín Saúl que era un incansable trabajador del arte dedicó horas y días a la creación de una de sus obras más conocidas, este se inspiró en la antigua Grecia para crear la escultura. En sus formas podemos ver la pasión que el autor le dedicaba a sus trabajos ya que según Doña María “Benjamín Saúl era un apasionado del arte, si alguien le decía que su obra no estaba bien hecha iba y la destruía” por otra parte también recuerda que él era un “solitario” del arte se encerraba durante horas a trabajar solamente acompañado por música clásica la cual decía él le ayudaba a relajarse.

Para Benjamín no existían días festivos o feriados él era completamente entregado al arte y a su trabajo dedicó gran parte de su tiempo a diseñar, pensar y crear obras majestuosas… en el 2005 se montó una exposición en su honor para que la gente tuviera la oportunidad de conocer otros trabajos del autor.

Es interesante como un autor de renombre internacional se instala en nuestro país y comienza a crear obras reconocidas a nivel mundial y nosotros como pobladores pasivos vemos pasar todo frente a nuestros ojos sin reparar en lo que está sucediendo, no nos damos si quiera la tarea de conocer el trabajo si quiera mucho menos el autor.

¿Qué esperanza tiene entonces el arte en El Salvador? Cada día consumimos más productos importados y no nos detenemos a consumir lo nuestro ( eso también incluye los productos culturales) si bien es cierto que hay algunos “apreciadores” del arte no resultan ser algunos burguesa con ínfulas intelectuales que han secuestrado la mayoría de obras de renombre de nuestro país… no hay una clara intención de acercar el arte a las escuelas y especialmente a los niños y niñas estos crecen indiferentes al desarrollo artístico cultural sin reponer en que el futuro no se ve muy alentador. En cambio, se remiten a escuchar a ver y a sentir cosas vagas vulgares y de poco sentido dado que sus limitados y poco estimulados intelectos les permite nada más ese atisbo o pantomima de producción cultural.

Ahí entramos nosotros  mejor dicho todos. Es tarea de todos y todas comenzar a forjar un nuevo movimiento artístico cultural que de honor a quien merece para que estas obras no queden en el olvido y se pueda generar verdadera producción y respeto a nuestro patrimonio.

Julia Diaz.

Pintora y fundadora del Museo Forma, que es reconocido como la primer galería de arte de El Salvador. Diaz representó diversos aspectos de la vida campesina salvadoreña, sus obras son dinámicas y adquieren un matiz propio… en ellas las temáticas son la maternidad, la vida, el sufrimiento, la inocencia de los ojos de los niños, se puede observar el manejo de las sombras para asentar el mensaje que la autora quería transmitir, a lo largo de la trayectoria de la artista podemos observar una evolución con respecto a la temática. Si bien es cierto que se han perdido diversas obras de la artista aun podemos acceder a algunas de llas que se encuentran en diversas galerías como el museo Forma y el museo MARTE.

Uno de los principales sueños de la pintora era promover y dar a conocer las artes plásticas a todos los sectores de la población… hoy en dia existe la fundación “Julia Diaz” cuya principal labor es precisamente esa, dar a conocer y acercar el arte a los y las salvadoreñas.

Generalmente Diaz trabajaba en retratos, rostros conpungidos, felices tristes, sombríos que se encargaban de mostrar la realidad del pueblo, lastimosamente no se tiene acceso a toda su obra alrededor de 11 piezas se extraviaron en un vaivén legal respecto a su herencia… las obras aun se encuentran desaparecidas incluyendo un retrato de su madre del cual solo se tienen footgrafias.

Roberto Huezo.

Roberto Huezo es un pintor, ceramista, dibujante salvadoreño, podemos dividir su obra en dos momentos: los años de la guerra y los años que le siguieron. Durante la guerra Huezo fue un férreo defensor de los derechos humanos muy allegado al pensamiento de los jesuitas en ese entonces realizo diferentes dibujos que mostraban el suplicio del pueblo y el clamor por justicia, autor de los vitrales del via crucis en la capilla de la Universidad Centro Americana Jose Simeon Cañas. Su obra es desgarradora cobra vida propia y nos muestra a un pintor muy humano

generalmente se menciona que en el caso de Roberto es imposible separar la obra del Hombre… dado que constituyen una relación simbiótica internsica relacionada la una con la otra, lo que nos da como resultado una obra muy sincera, se comunica muy fácilmente con su entorno… de grado tal que genera un vinculo con su espectador, la obras cobran vida propia y sirven de relatores de nuestra realidad, lo podemos ver claramente en las 14 estaciones del via crucis se entabla tanto en el sentido humano asi como en el sentido poético del mensaje… hay pasión y  sentimientos encontrados… sin duda uno de los mejores pintores de este país… considero que es uno de los artistas que están en la búsqueda de la identidad pictórica salvadoreña se distinguen en el clásicos exponentes  de l arte salvadoreño una especie de tributo a todos y todas las artistas que plasmaron nuestra realidad a través del pincel.

Salarrue. (Salvador Salazar Arrue)

Salvador Salazar Arrue talves es uno de nuestros artistas mas representativos… y también uno de los mas prolíficos, escritor de renombre, cronista cuentista y también pintor…  en sus obras se puede encontrar un lienzo plucro como si se estudio milímetro a milímetro a la hora de su elaboración,  su obra se ve influenciada por los pintores contemporáneos de principios y mediados de siglo. Sin embargo  su carrera como pintor se ve opacada irónicamente por su papel como escritor, lo curioso de esto es que ambas facetas del artista pudieran ser tan independientes la una de la otra asi como su genialidad que pueden ser estudiadas por separado.

Salarrue seguirá siendo un referente del arte salvadoreño y es que no cabe duda que su trabajo trasciende las fronteras y que también está claro que era un artista de vanguardia… demostraba con crecer a estar a años de distancia de los demás artistas contemporáneos. Su pintura es sobria y talves ese es su máximo atributo además de ser una pintura por llamarlo de una manera profesional, se notaba la maestria en las pinceladas… sin duda un maestro.

Antonio Bonilla.

Se le considera uno de los máximos exponentes salvadoreños, artista prácticamente autodidacta aunque podemos ver en su obra la influencia de Miró, Picasso… surrealista por exelencia encontramos constantemente una referencia interesante con respecto a su obra… “el feísmo como forma de belleza” Antonio ha plasmado en su obra su propia visión del mundo, desde una óptica un tanto retorcida si se puede decir.

Pero no hay que confundir con su visión del mundo como una ficción es mas bien una visión realista representada en el lienzo o el mural. Por otra parte,

El mural con motivo de la conmemoración de los acuerdos de paz en El Salvador es claro ejemplo de ello. Debo admitir que al observar el mural el corazón se achica; es crudo, directo y a la vez sutíl te transporta y de alguna manera te dice que estamos en paz pero que aun no sanamos heridas.

Ver a monseñor Romero en el con la mirada inyectada, con un rostro que no defino como triste pero tampoco defino como alegre en ningún momento me dice mucho de lo que colectivamente sentimos como pueblo realmente no estamos sanados

Camilo Minero.

La obra de Camilo Minero plasma en palabras del mismo autor el pintaba “al obrero al niño pazón del mercado” en otras palabras, al pueblo Don Camilo Minero falleció  el 6 de mayo de 2005 dejando tras de si un legado como uno de los mas grandes expositores de la pintura contemporánea salvadoreña sus obras se exponen a lo largo del continente americano. Muralista social por exelencia podríamos decir que sus trabajos mas impactantes y sonados son los que realizó durante su exilio en Nicaragua… en sus pinturas siempre se veía el realismo… muy influenciado por el estilo del pintor mexicano Diego Rivera.

En sus morales se representan la realidad social de la época, los gobiernos militares, la revolución, los movimientos social obrero de los años setenta entre muchas otras realidades… su técnica es limpia y muy clara recurre mucho al uso de colores considerados como calientes,  en el cual deja entrever su furia, frustraion y cólera… pero no debemos confundir esto como una llamada a la violencia. Es mas, podríamos considerar todo lo contrario… es un grito que se ahoga en las conciencias oligarcas que secuestran al arte y lo colocan solamente para ojos privilegiados.

En sus pinturas podemos encontrar al hombre, a la mujer y al niño campesino, la belleza autóctona de nuestros pueblos, la campiña asi como las condiciones a las que diariamente son expuestos los pueblos de america.

Se puede encontrar pinturas de el especialmente En el Salvador, en Nicaragua donde vivió su exilio incluso en el Museo  de Arte Moderno de Nueva York.

Fresco de la cúpula del teatro nacional por Roberto Cañas.

Análisis.

El fresco plasmado en la cúpula del teatro nacional, fue pintado por el artista salvadoreño Carlos Cañas, que bien es conocido por ser uno de los máximos exponentes de la pintura abstracta en El Salvador.

Con tamaño que supera los docientos metros Carlos Cañas llama a su obra “el mestizaje cultural” dentro de la cual identificamos diferentes simbolismos que van desde la expresión personal del autor hasta llegar a cavilaciones introspectivas y de extensa crítica social.

En esta pintura se encuentran varios puntos a analizar sin embargo  expondremos los que a mi parecer son los más importantes.

A primer vista lo que llama la atención es la presencia casi nula de hombres en el fresco; esto se puede interpretar como la importancia del rol de la mujer en el devenir social – cultural de la sociedad latinoamericana. La mujer como fuente de vida y por lo tanto el seno materno al cual todos y todas nos revocamos al explicar nuestra propia existencias misma. Curiosamente el sector femenino a través de la historia latinoamericana ha sufrido la invisilizacion de su rol en la historia misma no se digan los abusos mas si se trata de pueblos autóctonos y comunidades indígenas…

Por otro lado, están los mangos puse especial interés en este punto… ¿porqué mangos? ¿ qué representan? Lo interpreto como nuestra herencia así sin mas… el mango es una fruta característica de nuestros pueblos; dulce, exótico y hasta cierto punto místico. Estas frutas invitan a reflexionar sobre nuestro rol en la historia mundial.

Por otro lado esta el mismísimo Carlos en la obra plasmado con una aoreola al buen estilo que me recordó la pintura clásica y la renancentista… si bien puede ser una pequeña broma del autor, también una manera de expresar la importancia del artista en el devenir histórico latinoamericano con una pizca de cierto egocentrismo… pero tratándose de Carlos Cañas le podemos permitir el desliz.

Por último me llamó la atención el uso de colores frios en la exposición  dado que estos transmiten cierta nostalgia y tristeza en la pintura digamos que no es un tema muy alegre el hablar de la invasión cultural que aun hoy en dia sufrimos… creo que bien podríamos seguir siendo esos tristes seres azules deambulanso por la vida regalando nuestros mangos a los más fuertes.

Pasos Creativos 

En mi clase de Historia, nuestro catedrático compartió con nosotros 10 pasos creativos, de los cuales yo he practicado varios no todos, pero hoy les quiero compartir mis experiencias con estos pasos.

Los pasos que el nos comento son los siguientes:

1)      Pintar de Azul tu cuarto o el lugar donde trabajas, ya que es un color creativo, este no lo he practicado ya que no es mi color preferido mi cuarto es color verde.

2)      Despistado, este es uno de mis favoritos puedes hacer uso de este paso cuando acabas de levantarte es cuando tu mente esta más fresca y relajada, pueden parecer estúpidas las ideas que ronden en tu cabeza, pero al final pueden resultar en algo grandioso.

3)      Soñar despierto, este casi que lo práctico todo el tiempo me parece que se relaciona con el siguiente que es pensar como un niño, a mi me pasa que a veces escucho una palabra y comienzo a imaginarme de todo escenas personajes diseños, etc. Básicamente lo uso durante todo el día. Y quiérase o no al final del día te puede resultar algo genial en algún diseño o trabajo que tengas pensado en tu cabeza.

4)      Pensar como niño, los niños tienen la capacidad creativa de resolver un problema en un santiamén, y de forma muy creativa. Pensar como un niño te puede ayudar a resolver ese problema de color o diseño de forma muy creativa sin necesidad de estar empapada de tantas ideas puedes obtener un resultado fresco e innovador.

5)      Dosis de humor, me encanta este mi mente llega a un punto de cansancio y saturación en la que se bloquea para poder liberarme de eso yo hago uso de videos divertidos, para reírme un rato, eso libera tu mente y con una dosis de humor y un poco de creatividad puedes lograr cosas inimaginables.

6)      Imaginarse lejos, si te imaginas en otro país en otra cultura comienzas a ver las cosas de diferente punto de vista, a veces pensamos que no somos capaces de hacer algo en donde estamos, pero sí seriamos capaces de tal cosa si estuviéramos en otro lugar.

7)      Más genérico mejor, si lo que buscas es llegar a la audiencia entre mas genérico es mejor, porque hacer algo complicado que solo tú entiendes? Y para que los demás lo entendamos necesitamos siempre de una explicación, por eso entre más simplificado mucho mejor. Recuerda que tenemos 3 formas de lenguaje: el coloquial, el científico, y el literario.

8)      Abrir la mente, esto solo lo puedes conseguir viajando, leyendo o aprendiendo otro idioma, tu mente se abre si conoces a otras culturas, si te adaptas y aceptas las distintas formas de convivir de las diferentes culturas que existen alrededor del mundo.

9)      Ver el mundo la única forma de conseguir ideas es observando el mundo... si nos fijamos en los más mínimos detalles en las personas, en como se expresan y como se relacionan podemos enriquecer nuestro conocimiento de la realidad que nos rodean así tendremos material ya sea para reproducirla o bien, desalinearla

10)   Mudarse a la metrópolis, creo que este es uno de los mejores estar en la metrópolis es una de las inspiraciones mas enriquecedoras que un artista puede tener, en la metrópolis te encuentras de todo hasta de lo más inimaginable, y todo sea “bueno” o “malo” siempre te ayuda a tener esa inspiración que estas buscando, caos, paz, etc.

A  lo largo de estos días he tratado de utilizar estos pasos, y quiero decirles que me han funcionado, he conseguido mis ideas de manera mas clara, rápida y ordenada, en cambio antes eran siempre buenas ideas pero para llegar a la idea final era un proceso más largo. Así que amigos lectores les recomiendo que practiquen estos pasos.

Roberto gonzales Goyri 

Es un escultor y pintor guatemalteco condecorado con la Orden

Quetzal uno de los máximos galardones del país guatemalteco, con tan solo 14 años de

edad ya se veía involucrado en proyectos artísticos de gran envergadura, a los dieciocho

colaboró junto con el maestro Carlos Merida en la elaboración de los vitrales del palacio

nacional de Guatemala.

Algunas de sus obras más conocidas son el “monumento de Tecún Umán” y “El Espectro

de la Guerra” este último le valió el reconocimiento ya que ganó el primer premio de el

Certamen Centroamericano de Ciencias y Letras y Bellas Artes.

Curiosamente Gonzalez Goyri se ha “retirado” del mundo de la escultura actualmente

prefiere plasmar por medio de lienzos sus ideas y expresiones.

La obra de Gonzales Goyri se expone a lo largo de toda Guatemala asi como en el Museo

de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York.

Luis Gonzáles Palma.

Fotográgo guatemalteco que nació en 1957.

Actualmente vive en Córdoba, Argentina su obra oscila entrela fotografía y las artes plásticas. Utiliza los códigos del cine y la arquitectura, de la danza y la música, de los ritos oscuros que avivan la mirada de los pueblos de Guatemala. Se caracteriza por ese toque de lo propio y lo ajeno la innovación y la tradición.

Diego Rivera

Pintor mexicano nacido el Guanajuato en 1886 – 1957.

Ha sido considerado uno de los principales muralistas de su país. Estudio por espacio de quince años en varios países de europa donde se interesó por el arte de vanguardia y abandonó el academicismo.

Una de sus obras es “Gloriosa Victoria” la cual se dice es una caricatura de la sangrienta invasión que hizo Estados Unidos, a través de United Fruit Company, de una plantación bananera en Guatemala a comienzos de la década de los cincuenta.

Diego Rivera realizó este mural debido a que unos pintores mexicanos le solicitaron que lo realizara en solidaridad con los hermanos guatemaltecos que en ese entonces habían sido invadidos por Estados Unidos, pero al ver el resultado estos pintores ya no quisieron la obra debido a que la figura central era el presidente de los Estados Unidos en ese entonces Eisenhower,

En ese momento Eisenhower era el presidente más querido de la historia de ese país ya que había ganado la segunda guerra mundial y había libertado a Europa. En la obra diego rivera lo coloca como el verdadero tirano que estaba invadiendo América Latina.

Esta obra termina en una bodega y se considera perdida por casi 50 años, al caer en manos de los rusos en momento de guerra ya que este tipo de obras que se realizaban en esa época se consideraban secreto de estado.

Rina Lazo.

Pintora guatemalteca, nació en 1923 y realizo sus estudios en Guatemala, en 1943 en la Escuela de Bellas Artes. Obtuvo una beca en el ministerio de edcuación de Guatemala para conseguir estudios de pintura en México.

Fue en México donde logro estudiar en la escuela Esmeralda donde la colocaron como ayudante de Diego Rivera.

Rodolfo Abularach.

Pintor, grabador y escultor guatemalteco, nació en 1933 Estudió en Guatemala y Estados Unidos ha ganado importantes premios como por ejemplo uno de dibujo en la V Bienal de Saou Paulo en 1959, otro en la universidad de Nueva York (1961) y en Colombia (1967).

Ha presentado esposiciones individuales en Estados Unidos, Alemania, Puerto Rico, Colombia, Venezuela, México, Ecuador, Suecia; Panamá; Bolivia y Chile. Son famosas sus series de ojos y volcanes.
Rodolfo aborda y explora intensamente el tema del ojo humano como expresión primordial de su trabajo artístico y consigue, con ese aparentemente simple recurso llamar la atención a un estilo propio y a las posibilidades plásticas y comunicativas del tema.

Rafael Rodríguez Padilla.  (1890 – 1929)

Escultor, pintor, caricaturista y docente guatemalteco; estudio en España, obtuvo el premio nacional en 1920, Obtuvo el primero premio en pintura en la exposición centroamericana del 15 de septiembre de 1921. Fue el fundador y el primer director de la Academia Nacional de Bellas Artes.

Una de sus obras más reconocidas es “el tamal” la cual representa la cultura guatemalteca a través de elementos muy particulares de la cultura de Guatemala, como los detalles de un simple desayuno los transforma en una vanguardia impresionista a través de pinceladas más fuertes más rápidas y colores oscuros.

Desnudo
Juan Antonio Franco.

Juan Antonio Franco (1920 – 1994)

Pintor de nacionalidad guatemalteca en 1963 abandona sus estudios en la Escuela Nacional de Agricultura, fue entonces cuando ingreso a la entonces nombrada Academia de Bellas Artes en la cual estudió hasta 1941. Fue discípulo de Rafael Yela Ghünter, Ovidio Rodas Corzo, Enrique Acuña y Antonio Tejada. De 1940 a 1942 formo parte de la generación del 40.

Con el propósito de aprender la técnica de la pintura mural fresco, viajo a México en 1942. De 1943 a 1945 logra trabajar como ayudante del pintor mexicano Diego Rivera, en la realización de murales al fresco en el palacio nacional. También perteneció al taller de Gráfica popular, donde realizó algunos grabados bajo la tutela de Leopoldo Méndez y Pablo O´Higgins. En 1947 forma parte del equipo de ayudantes del pintor José Clemente Orozco en la realización del mural al aire libre sobre concretos en el auditorio “Auro Aguirre” de la escuela Normal para Maestros del Distrito Federal.

En 1949el presidente Juan José Arevalo le encargo pintar dos murales al fresco en la Escuela Federación de Mixco. Viaja a Italia en 1950 por una beca que se le fue otorgada por un concurso. En Florencia realizó investigaciones sobre restauración de obras de arte en la galería uffzi y la academia Brera.

Asistió a cursos de museología en la escuela del museo de Louvre. Estuvo en Guatemala de 1953 a 1955, y regresó a México, donde trabajó en la restauración de nurales de los pintores Rivera y Orozco en Ciudad de México, Chapingo y Guadalajara. Retornó a Guatemala en enero de 1961 y trabajó hasta 1964 como catedrático de Arte en la Universidad Popular.

En 1954 participó juanto Dagoberto Vásquez en la Bienal de Venecia de 1950, en 1954 participó en la “Mostra de Bianco e Nero” en Suiza, en 1958 en la Bienal de México. En 1979 ganó el primer premio en el certamen Centroamericano 15 de Septiembre y en 1980 el segundo lugar del certamen Arturo Martínez, de Quezaltenango.

Guatemala

Costa Rica

Adela Marín Villegas

Estudios

1987 - 1992 Cursa carrera de Artes Plásticas con énfasis en Pintura en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica, obteniendo el grado de Bachillerato y la exposición final de Quinto año.

Exposiciones individuales

1997."Cautiverios", Exposición de Fotografías. Museo Calderón Guardia.
1994. Exposición de Pintura. Biblioteca Pública de San Juan de Tibás.
1993.Exposición de Pintura. Instituto Tecnológico de Costa Rica. Cartago.

Exposiciones colectivas

2001. Participa en el Coloquio sobre Fotografía "Memoria Iconográfica de un Siglo" como participante con la ponencia "Habitaciones Propias o Apropiadas; sobre el cuerpo en la fotografía en Costa Rica" Casa de las Américas. La Habana Cuba.
"Flamenco" Exposición Colectiva de Profesores de la Universidad Veritas para el Festival de Flamenco. Teatro Nacional de Costa Rica.

Premios y reconocimientos

1996. Es becada por el Ministerio de Cultura del Gobierno de Costa Rica con el "Programa de BecasTaller" en investigación en fotografía experimental, fruto de este proyecto hace la exposición "Cautiverios".
1986.Primer Premio Retrato a Mauro Fernández A. Liceo Mauro Fernández.
1991.Mención de Honor. Certamen Ambiente Universitario. Universidad de Costa Rica. Tercer Lugar Ambiente Universitario.U.C.R.
Primer premio Concurso de Retrato Semana Universitaria. Escuela de Artes Plásticas, U.C.R.
1995.Mención de Honor en el Concurso Sintercafé. 

Adolfo Siliézar

Año de nacimiento

1952 

País de nacimiento y residencia

Costa Rica 

Exposiciones colectivas

2007 
Colección MADC - Senderos Múltiples, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo. San José, Costa Rica. 

2005 
Pintura, gráfica y objetos - Selecciones de una colección, Fundación Teor/etica, San José, Costa Rica 

2004 
Cuidado ¡Pinta! o (De) construcciones pictóricas, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica. 

Echando las cartas, Fundación Teor/etica, San José, Costa Rica. 

2002 
Coleccionismos Contemporáneos - Público / Privado, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica. 

2001 
Arquetipos - Expresiones multiculturales en pequeño formato, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica. 

1999 
La envoltura del Alma / The Wrap of the Soul, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica. 

Francisco Amighetti Ruiz 

1907 a 1998 , San José de Costa Rica, es un pintor costarricense. Su trayectoria se remonta entre 1926 a 1935, donde inició sus estudios en la Academia de Bellas Artes de Costa Rica durante un año. Después hace la publicación por primera vez de su obra artística titulada "Álbum de Dibujos". Aplicada con las xilografías empiezan a aparecer en el Repertorio Americano, y que también se publica con una amplia divulgación en Latinoamérica. También fue un poeta de gran sensibilidad, el poema Lillian Edwards es un insigne ejemplo.

Entre 1987 a 1997, el museo de Arte de Costa Rica publica su obra titulada "Amighetti", después de 60 años de su trabajo artístico de Carlos Guillermo Montero. Hasta la fecha sus obras ha seguido siendo expuestas a nivel nacional e internacional, ya que también han tenido un gran reconocimiento y apoyo por la Universidad de Costa Rica (UCR), donde también fue homenajeado por su talento y trayectoria.

San  Antonio de Oriente

La pintura de José Antonio Velásquez representa el panorama visual de la Honduras rural y colonial, es una mirada añorada hoy en día… si vemos la pintura nos transporta a tiempos más puros y sencillos,  no es de extrañarnos por qué fue declarado patrimonio cultural en 1995.

Este oleo pintado en 1956 representa la armonía de vivir en el campo, con sus iglesias, su vegetación y la simpleza de una vida llena de penurias económicas pero de alegrías en el corazón, este cuadro generó polémica dado que se interpretó como una exaltación de las comunidades mestizas pero no así de las comunidades de indígenas y de negros que viven en la costa atlántica de la republica hondureña.

Varios artistas hondureños tomaron el primitivismo como técnica para elaborar sus obras y luego el estilo era característica icónica de la vida cotidiana de Honduras, algunas pinturas no necesariamente representaban la vida rural, podían incluso representar situaciones cotidianas de la vida urbana.

Isabel Muñoz y el infierno de las Maras.

Así lo cataloga el rotativo español elmundo.es en el que relata el trabajo realizado por la fotografa de Barcelona considerada como una de las mejores fotografas del mundo y que ya ha sido galardonada con el Wordpress photo award.

Isabel muñoz plasmó en su obra “Maras. La cultura de la violencia” una de las mas peligrosas  subculturas del mundo, ella se enfocó en los cuerpos ya que la autora decidió fotografiar ya que estos representan un gran interés para ella porque estos son los que transmiten. Una de las reflexiones que la autora expresa es que le llama la tencion que en pleno siglo XX los “mareros” utilizan su cuerpo como medio de expresión de sus ideas.

La exposición fotográfica contiene un especial énfasis en el blanco y negro seguramente por el impacto que genera al observar una fotografía en blanco y negro en lugar de una a colores aunque también se pueden encontrar algunas para nada inferiores.

El Grafitti.

Un eterno dilema, que es el grafitti: ¿arte o vandalismo? Es un debate que aun está en la mesa… pero cuando definimos la palabra arte que según la Real Academia de la Lengua Española es: Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. Difícilmente podemos separar a esta expresión urbana, dado que al observar algunos trabajos he quedado perpleja por su complejidad y elaboración he visto incluso algunos con un simbolismo tal que su mensaje es muy claro.

Algo que en lo personal me gusta del graffiti es su carácter de vandalismo que posee es deicr esa furtividad es un elemento que agrega un elemento mas valioso a esta expresión.

En el grafitti encontramos diversas influencias del pop art, cubismo, modernismo. Aunque es muy común encontrar nada mas “firmas” o mejor dicho nombres o frases a veces también encontramos mesajes simbólicos atraves de una combinación de imágenes que van desde lo simple hasta lo complejo y profundo.

Cabe destacar que el graffitti entendido como tal no se limita a la expresión de grupos de jóvenes a mediados de los años ochentas de hecho es mucho mas antiguo, en toscana Italia por ejemplo hay graffittis que se remontan a la época de Musolini a principios de la segunda guerra mundial. Claro estos no eran como los actuales, pero encontramos algunas similitudes como mensajes políticos, burlas a las figuras del momento o simplemente un escape a una realidad mejor.

En El Salvador el graffitti  se ha posicionado en distintas sub culturas que parten desde las maras o pandillas hasta grupos de deportistas extremos, que no necesariamente son delinquentes… es una lastima que muchos no se den cuenta del valor de esta corriente artística que busca no solamente manchar una pared si no que también busca dar una obra pintada con aerosol.

El Arte Postmoderno.

El término posmodernismo determina el ambiente y las prácticas culturales producidas tras la crisis de las vanguardias históricas hacia mediados de los años 1970.

La crítica ha denominado posmodernidad el periodo que abarca  la última década. las notas más significativas o distintivas de esta novísima situación podrían resumirse así: disolución de los discursos artísticos globales, pérdida de la homogeneidad, regreso a las imágenes con el consiguiente abandono de la estética reduccionista, rechazo del proyecto, nomadismo, fragmentación y eclecticismo. Las dos tendencias europeas más importantes son la transvanguardia italiana y Die Neue Wilden (los nuevos salvages) de Alemania.

La posmodernidad es el rechazo al racionalismo de la pureza, de la abstracción formal, del compromiso social. Se trasladó al campo de las artes plásticas defendiendo el principio de libertad absoluta para el creador y eliminación de las modas e ismos. El producto final  ha sido un tipo de arte que aparentemente no cree en el progreso ni en la incidencia social del mismo, un arte que saquea la historia acumulando desordenadamente en el presente las experiencias del pasado, un arte no excluyente sino acumulativo que ha recuperado el decorativismo y la argumentación literaria o personal como base de su proceso creativo

Cinema libertad.

Es una Oda a la cine de antaño visto desde los ojos de un niño en un cine abandonado que sirve de refugio para indigentes y drogadictos… “cinema libertad” de Arturo Menendez  es un cortometraje ganador de distintos reconocimientos que narra desde una visión un tanto distopica la magia del cine y la magia de la niñez mezcladas en una historia de fantasia.

En lo personal considero que el trabajo de Arturo Menéndez es loable desde el punto de vista que en nuestro país es difícil encontrar cine si quiera “criticable” por otro lado, la trama me parece un tanto forzada para lograr encajar todos los elementos.

Sin embargo uno no puede hablar mal de su casa, la calidad de fotografía con la que cuenta esta producción es impecable, asi como también el reparto cuenta con algunos rostros conocidos del teatro salvadoreño algo que hay que rescatar.

Me gustó que se rescatara una visión inocente de la vida del centro del San Salvador rodeada de podredumbre y olores a orín.

Aunque Menendez no es ajeno a esa visión retorcida… ya la hemos visto en otros cortometrajes de su creación por ejemplo “parávolar” que también inmiscuye un mundo mágico que interactua con el de los vivos.

Dejo los trailers además de un enlace para verla on line.

Destruyen el mural de Llort ¿era realmente arte?

Este pasado (incluir fecha) el famoso mural conocido como “la toallona” fue destruido. El mural que fue creado en 1997 con motivo de la visita del Papa Juan Pablo II representaba en voz del autor y como su verdadero nombre reza “la armonía de mi pueblo”.

En lo personal no me agradaba la obra de Llort sin embargo era mi punto de vista e independientemente de si me gustaba la obra del autor o no, tenía que ser respetado como patrimonio cultural, la acción cometida por la jerarquía de la iglesia católica salvadoreña nada más es un botón de la prepotencia y de la falta de ética de una institución conocida por sus embates en contra del arte y las ciencias.

Por otro lado la actitud del gobierno ha sido también lamentable. Una actitud de incredulidad culposa y sacándose de la manga una carta en la que se declaraba que el mural estaba oportunamente a punto de convertirse en bien cultural protegido.

Esa reacción creo que habría sido tomada por un insulto mejor en lugar de tratar de convencernos que el estado está vigilante con los bienes culturales de todos y de todas.

La iglesia se escuda aludiendo dos historias. Primero, aludiendo deterioro “irreparable” del mural y que por el “bien” de los feligreses decidieron removerlo… ¡mentira! La empresa de ingenieros y arquitectos demostraron que las piezas eran reemplazables y el pegamento usado era prácticamente indeteriorable. ¿Cómo respondió la iglesia? Silencio completo…

La segunda historia fue que removieron el mural debido a que este contenía simbología “masónica” si se basaran en ese criterio para remover obras potencialmente peligrosas para la feligresía tendrían que remover el 80% de las obras localizadas en iglesias y monasterios, he observado varias veces el mural Armonía de mi pueblo… podría ser interpretado más como simbolismo de nahuizalco… pero eso es parte de nuestra idiosincrasia al fin de cuentas.

Es una lástima que se haya destruido una obra, independientemente nos guste o no todos deberíamos habernos pronunciado ya que una expresión artística es algo digno de respeto, y si nos dejamos de las aberraciones de la iglesia seguiremos subyugados a las disposiciones totalitarias de una institución que aplasta nuestra moral una y otra vez.

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Escritor Nicaragüense

La poesía de Rubén Darío:

Felíx Rubén García Sarmiento conocido como Rubén Darío, fue un poeta nicaragüense que representó  el modernismo literario, una de nuestras mayores influencias para la poesía del siglo xx conocido como el “príncipe de las letras castellanas”.

 Para la formación poética de Rubén Darío fue determinante la influencia de la poesía francesa, se interesaba especialmente en el romanticismo, y especialmente en Víctor Hugo; más adelante llega a ser influenciado por los parnasianos: Théophile Gautier, Catulle Mendés, y José María de Heredia.  

La crítica ha determinado que sus tres mejores obras fundamentales son:  Azúl (1888), prosas profanas y otros poemas (1896), y cantos de vida y esperanza (1905).

Dario hizo suyo el lema de su admiradoi Paul Verlaine: "De la musique avant toute shose". Para él, como para todos los modernistas, la poesía era, ante todo, música. De ahí que le diera una gran importacia al ritmo.  Su obra supuso una autentica revolución en la métrica castellana. La presencia de cisnes es obsesiva en la obra de Rubén Darío, por lo tanto es considerado como el símbolo más característico de sus obras,  aunque éste no es el único símbolo de Rubén Darío, el centauro, en poemas como el “Coloquio de los centauros”, en Prosas profanas, expresa la dualidad de alma-cuerpo a través de su naturaleza medio humana medio animal, su poesía contiene amplio contenido simbólico con imágenes espaciales, como los parques y jardines, y la torre que simboliza su aislamiento a un mundo hostil. Se consideran símbolos de su poesía el color azul, la mariposa y el pavo real.

Gran parte de su vocabulario léxico esta encaminado a la creación de efectos exotistas; sus obras contienen  figuras retóricas como lo es la siniesta, mediante la  cual se consigue asociar sensaciones propias de distintos sentidos:  especialmente la vista (la pintura) y el oído (la música).

RUBÉN DARÍO /POETA NICARAGUENSE.

¿A qué vanguardia pertenezco?

Si bien  es cierto que el arte debe de gustar como un conjunto o mas bien, como un todo, debemos admitir que como seres humanos subjetivos que somos  tendemos a sentirnos mas  identificados con alguna corriente en especial… en mi caso personal mi empatía por una vanguardia determinada así como una determinada corriente se debe al conjunto de mis experiencias personales además de reflejar en casi su totalidad mi filosofía de vida.

Algunas serigrafías deWharhol.

M vanguardia se enmarca dentro de la segunda vanguardia aquella que rompió los clasicismos de los tiempos anteriores al final de la segunda guerra mundial una época de catarsis con respecto a la humanidad en si… una negación de los valores tradicionales y una búsqueda de nuevos valores sociales a partir de la experimentación. La corriente que me apasiona por así decirlo es el Pop Art, lastimosamente el pop art a sido sobre explotado y se ha llegado hasta a vulgarizar el concepto, sin embargo puedo explicar de manera mas fiel el porqué de mi gusto por el Pop Art: los colores  y las formas así como también la iconización de una nueva era… los símbolos con los que contábamos en ese entonces ya no eran suficientes y surgió la necesidad de crear nuevos, ahí nacieron los distintos ejes temáticos que aun hoy en día se mantienen. 

Andy Wharhol como el máximo exponente representó a una Estados Unidos decadente en busca de nuevos dioses, con profundas dudas sobre su origen y destino a lo cual el autor nos regala como respuesta la simpleza de la vida norteamericana, el plástico y el oro, el bronce orinado, la litografía y la serigrafía como principales herramientas artísticas, hasta en el rompimiento de los paradigmas que en ese momento se manejaban es característico del  Pop Art y de ahí se extiende hasta convertirse en una corriente importante y de peso en la última mitad del siglo XX .

"Toda pintura es un hecho: las pinturas están cargadas con su propia presencia. " Andy Warhol.

 Pintura de Roy Lichtestein 

Hay que admitir que esta corriente tiene sus vicios como cualquier otra, y a eso es a lo que me refiero cuando menciono de que e ha vulgarizado la corriente… los máximos vicios son cuando el arte deja de serlo y se convierte en un producto esnob producido con fines meramente comerciales… ¡hasta el mismo Wharhol fue acusado de esto!

Repito es mi filosofía de vida reflejada en esta corriente artística ya que en ella encuentro cierta ironía en cuanto a las situaciones serias de la vida, una negación a los valores tradicionales y conservadores, una puerta abierta a que demos una mirada al futuro y otra al pasado y nos demos cuenta que los tiempos anteriores fueron mejores que los presentes pero no tan malos como los futuros.